Robert Müller Erfurt

Kintsugi und Wabi-Sabi: Die goldene Kunst, unsere Brüche zu lieben

Bob — Sun, 24 May 2026 06:43:56 +0000

Warum streben wir so verzweifelt nach Makellosigkeit, wenn das Leben doch vom Wandel lebt? Ein Blick nach Japan eröffnet eine völlig neue Perspektive auf das, was wir als „Fehler“ bezeichnen. Eine Reise zu den Wurzeln wahrer Schönheit.

Wabi-Sabi: Die Schönheit des Vergänglichen

In der westlichen Welt wird Schönheit oft mit Symmetrie, Jugend und Unversehrtheit gleichgesetzt. Die japanische Ästhetik des Wabi-Sabi hingegen findet das Schöne genau dort, wo der Westen wegschaut: im Unvollständigen, im Vergänglichen und im Fehlerhaften.

Wabi-Sabi ist keine feste Design-Regel, sondern eine Geisteshaltung. Es ist die Wertschätzung für das bemooste Dach eines alten Tempels, für das herbstliche Laub auf dem Steinboden oder für die tiefen Lachfalten im Gesicht eines Menschen. Es lehrt uns, dass alles im Fluss ist und dass der Versuch, den Lauf der Zeit (oder die Spuren des Lebens auf unserer Haut) auszuradieren, zum Scheitern verurteilt ist.

Kintsugi: Narben aus purem Gold

Aus dem Geist des Wabi-Sabi entstand im Japan des späten 15. Jahrhunderts eine faszinierende Handwerkskunst: Kintsugi (wörtlich: „Goldverbindung“).

Fällt eine wertvolle Teeschale zu Boden und zerbricht, wird sie in der Kintsugi-Tradition nicht weggeworfen oder so geklebt, dass der Riss unsichtbar bleibt. Im Gegenteil: Die Scherben werden mit einem speziellen Urushi-Lacklack, der mit echtem Gold- oder Silberpulver vermischt ist, wieder zusammengefügt.

Das Ergebnis ist ein Gefäß, dessen Brüche leuchten. Der Riss wird nicht als Defekt betrachtet, der den Wert mindert. Er wird als zentraler Teil der Geschichte des Objekts gefeiert. Durch das Gold wird die reparierte Schale wertvoller und einzigartiger, als sie es vor dem Sturz jemals war.

Vom Porzellan zur Haut: Unser Lebens-Kintsugi

Wirft man einen Blick auf den menschlichen Körper, drängt sich die Parallele geradezu auf. Operationen, Unfälle, Geburten oder Krankheiten hinterlassen Spuren. Unsere Haut ist das Gefäß, das uns durch die Jahre trägt – und manchmal bricht es.

Wir neigen dazu, diese Risse – unsere physischen und psychischen Narben – unter Kleidung oder digitaler Retusche zu verbergen. Doch was passiert, wenn wir die Kintsugi-Philosophie auf uns selbst anwenden? Eine Narbe ist nichts anderes als das Gold, das uns nach einem Bruch wieder zusammenhält. Sie zeigt nicht unsere Schwäche, sondern zeugt von unserer enormen Überlebenskraft und Heilungsfähigkeit.

Fotografie und Textilkunst: Kintsugi im Projekt „Scars“

In unserem Fotografie- und Kunstprojekt „Scars – Narben“ machen wir genau diese Philosophie erlebbar. Wir übertragen die Idee des Kintsugi aus der Werkstatt in das Fotostudio nach Erfurt und in den Ausstellungsraum.

Wir vergolden die Brüche nicht mit Lack, sondern mit Aufmerksamkeit und Licht. In der sensiblen Portraitfotografie geben wir den Lebenslinien den Raum, den sie verdienen. Im interdisziplinären Dialog übersetzt die Textilkünstlerin Negar Kablou diese feinen Gewebeveränderungen anschließend in haptische, textile Kunstwerke. Die Hautstruktur wird metaphorisch mit goldenen Fäden nachgezeichnet – ein modernes, greifbares Kintsugi, das die Würde der Trägerin oder des Trägers in den Mittelpunkt stellt.

Deine Geschichte ist Gold wert

Wabi-Sabi und Kintsugi lehren uns eine tiefe, universelle Wahrheit: Wir sind nicht kaputt, weil wir Narben tragen. Wir sind veredelt. Jede Linie auf unserer Haut ist ein Beweis dafür, dass wir gelebt, gekämpft und geheilt haben.

Möchtest du diese Ästhetik selbst erfahren?

Erfahre mehr über unser laufendes Projekt „Scars – Narben“ und entdecke, wie ein sensibles Fotoshooting dabei helfen kann, den eigenen Körper mit einem liebevolleren, goldenen Blick zu betrachten. Wir suchen Menschen, die den Mut haben, ihre Brüche als das zu zeigen, was sie sind: wertvolle Kunstwerke des Lebens.

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Die Ästhetik des Unvollkommenen

Bob — Mon, 06 Apr 2026 09:34:50 +0000

Die Ästhetik des Unvollkommenen

Wir leben in einer Welt, die uns mit polierten Oberflächen und digitalen Filtern einredet, dass Perfektion der einzige erstrebenswerte Zustand sei. Doch wenn wir ehrlich sind: Was berührt uns mehr? Ein fabrikneues, klinisch reines Objekt, das keine Geschichte erzählt – oder eine alte, abgewetzte Lederjacke, die jeden Kratzer als Erinnerung an ein echtes Abenteuer trägt?

Warum wir Narben neu betrachten müssen

Eine Narbe gilt in unserer heutigen Gesellschaft oft als Makel, den es zu verstecken gilt. Die Welt der sozialen Medien trimmt uns auf makellose Oberflächen. Doch was passiert, wenn wir diesen Blickwinkel in der Portraitfotografie radikal ändern?

In unserem Kunst- und Fotografieprojekt „Scars – Narben“ widmen wir uns genau dieser Frage: Wie kann aus einer Verletzung sichtbare Schönheit erwachsen? Es geht uns keineswegs darum, den Schmerz zu romantisieren. Vielmehr wollen wir die Spur, die er hinterlassen hat, als einen wertvollen Teil der eigenen Identität anerkennen.

Der Körper als Chronik

Jede Narbe ist wie ein Satz in einem Buch, das unser Leben schreibt. Betrachten wir diese Linien und Gewebeveränderungen, lesen wir Geschichten von überstandenen Kämpfen, von Heilung und unglaublicher Widerstandsfähigkeit.

Viele Frauen empfinden ihre Narben zunächst als störend oder gar entstellend. In Wahrheit tragen diese Male jedoch eine tiefe Würde in sich. Sie sind der sichtbare Beweis dafür, dass der Körper fähig ist, sich zu regenerieren und nach einem Bruch wieder zusammenzuwachsen.

Von der Scham zur Sichtbarkeit

Der Prozess der Selbstakzeptanz beginnt oft mit einem mutigen Moment der Überwindung. Deshalb schaffen wir durch Kunst und Fotografie einen sicheren Raum, in dem sich Scham in Stolz verwandeln darf.

Während ich in meinem Erfurter Fotostudio die sanfte Stärke der Porträtierten mit der Kamera einfange, übersetzt die Textilkünstlerin Negar Kablou (Bauhaus-Universität Weimar) diese Strukturen in haptische Poesie. Die Narbe wird aus ihrem rein medizinischen Kontext gelöst. Sie erhält einen künstlerischen Rahmen und erscheint für die Betroffenen in einem völlig neuen, bestärkenden Licht.

Ein neues Verständnis von Schönheit: Wabi-Sabi & Kintsugi

Was ist eigentlich Schönheit? Die glatte, unberührte Oberfläche? Oder die Tiefe eines Menschen, der das Leben in all seinen Facetten erfahren hat?

Unser Projekt versteht sich auch als politisches Statement gegen idealisierte Stereotypen. In der japanischen Ästhetik gibt es dafür den Begriff Wabi-Sabi. Er lehrt uns: Wahre Schönheit liegt in der Unvollkommenheit, im Rissigen und Gezeichneten. Ähnlich wie bei Kintsugi – der traditionellen Kunst, zerbrochene Keramik mit Gold zu flicken – betonen wir die Brüche nicht als Defekte. Wir betrachten sie als Veredelung der Lebensgeschichte. Das Ziel eines solchen sensiblen Fotoshootings ist nicht das Verbergen. Das Ziel ist das Würdigen.

Ein sensibles Fotoshooting, das sich auf diese Ästhetik konzentriert, kann eine tiefe therapeutische Wirkung entfalten. Es ist das visuelle Ja zu sich selbst. Wir hören auf, uns mit einem unerreichbaren Ideal zu vergleichen, und fangen an, die Einzigartigkeit in unserem eigenen Spiegelbild zu bewundern. Denn am Ende des Tages ist es genau das Unvollkommene, das uns menschlich, nahbar und vor allem – unvergesslich macht.

Werde Teil von SCARS – NARBEN

Auf der Projektseite SCARS erfahrt ihr alles über die Ziele und die Umsetzung. Und natürlich könnt ihr euch dort auch ganz aktiv als Modell bewerben. Denn ohne mutige Teilnehmer und Unterstützer, also ohne euch, können wir das Projekt nicht stemmen. Wir suchen Menschen, die bereit sind, ihre Narben als Kunstwerk zu begreifen. (Hinweis: Wir sind auch aktiv auf der Suche nach Ausstellungsorten).

Eine Frage zum Schluss:

Was sind die Spuren an dir selbst, die du heute mit Stolz betrachtest? Vielleicht ist es an der Zeit, genau diese Geschichten in Bildern festzuhalten.

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La Recoleta

Bob — Sun, 01 Feb 2026 09:29:03 +0000

Der Friedhof La Recoleta: Buenos Aires’ prunkvolle Stadt der Toten

Wer Buenos Aires besucht, kommt an einem Ort definitiv nicht vorbei, der ebenso ehrfurchtgebietend wie faszinierend ist: dem Cementerio de la Recoleta. Denn er ist weit mehr als nur eine gewöhnliche Ruhestätte; vielmehr gleicht er einer steinernen Enzyklopädie der argentinischen Geschichte. Inmitten des gleichnamigen Nobelviertels gelegen, erstreckt sich hier ein Labyrinth aus über 6000 Mausoleen, die in ihrer architektonischen Pracht kaum zu übertreffen sind. Deshalb gehört dieser Ort zu den wichtigsten Sehenswürdigkeiten Argentiniens.

Ein Spaziergang durch die Geschichte des Cementerio de la Recoleta

Gegründet im Jahr 1822 auf dem einstigen Gartengelände der Recoleto-Mönche, entwickelte sich der Friedhof schnell zum prestigeträchtigsten Ort des Landes. Während man durch die engen, gepflasterten Gassen flaniert, begegnet man den Namen von Präsidenten, Nobelpreisträgern und einflussreichen Familiendynastien. Da die Gräber alle oberirdisch angelegt sind, fühlt man sich zudem wie in einer Miniaturstadt, in der Marmorengel und kunstvolle Bronzestatuen über den ewigen Schlaf der Elite wachen.

Das Grabmal von Eva Perón – der „Dama Blanca“

Das unangefochtene Highlight für die meisten Besucher ist zweifellos das Grab von Eva „Evita“ Perón. Kaum ein Name ist schließlich enger mit dem argentinischen Freiheitskampf verbunden. Die am 7. Mai 1919 als María Eva Duarte geborene Nationalheldin war nicht nur Radiomoderatorin und Schauspielerin, sondern auch die prägende politische Figur ihrer Zeit.

Obwohl ihr Mausoleum im direkten Vergleich zu anderen Bauwerken auf dem Gelände fast bescheiden wirkt, ist es dennoch stets mit frischen Blumen geschmückt. Allerdings wissen nur wenige, dass ihr Leichnam eine wahre Odyssee hinter sich hat. Erst Jahrzehnte nach ihrem Tod und einer Reise quer durch Europa fand sie schlussendlich hier ihre endgültige Ruhe – heute sicher verwahrt in einer Gruft, die fünf Meter tief unter der Erde liegt.

Doch La Recoleta flüstert noch unheimlichere Geschichten. Eine der bekanntesten Anekdoten ist die der jungen Rufina Cambaceres. Die Legende besagt, dass sie versehentlich lebendig begraben wurde. Nachdem man Tage nach der Beisetzung Geräusche aus ihrem Sarg hörte und Kratzspuren an der Innenseite fand, errichtete ihre Familie ein wunderschönes Jugendstil-Denkmal, das Rufina zeigt, wie sie die Tür ihres eigenen Grabes öffnet – ein mahnendes Symbol gegen die Angst vor dem Scheintod.

Architektur des Friedhofs

Architektonisch bietet der Friedhof ein spektakuläres Panorama vom Neoklassizismus über den Barock bis hin zum Art déco. Viele der verwendeten Materialien, wie der schwarze Marmor oder die filigranen Glasarbeiten, wurden damals extra aus Paris und Mailand eingeschifft.

Ein besonderes Detail, das oft übersehen wird: Achten Sie auf die Inschriften! Traditionell wird auf den Tafeln in Recoleta oft nur das Sterbedatum vermerkt, nicht jedoch der Geburtstag – ganz so, als begänne die wahre Bedeutung eines Lebens erst mit dem Übergang in die Ewigkeit. Und wenn Sie Glück haben, begegnen Sie den „geheimen Wächtern“ des Ortes: Dutzende verwilderte Katzen streifen durch die Gänge und verleihen der Szenerie eine mystische Atmosphäre.

La Recoleta ist ein Ort der Kontraste. Still und doch voller Geschichten, melancholisch und gleichzeitig von einer überwältigenden Schönheit. Wer die Seele von Buenos Aires verstehen will, muss sich in diesem Labyrinth aus Stein einmal verloren haben. Das Stadtviertel La Recoleta gilt zweifellos als das kulturelle und architektonische Juwel der argentinischen Hauptstadt.

Obwohl viele Besucher zuerst an den berühmten Friedhof denken, hat dieser Stadtteil weitaus mehr zu bieten als nur historische Ruhestätten. Tatsächlich vereint La Recoleta europäisches Flair mit lateinamerikanischer Leidenschaft, weshalb es oft als das „Paris Südamerikas“ bezeichnet wird.

Tipps für Ihren Besuch

Der perfekte Zeitpunkt:
Besuchen Sie den Friedhof am besten am frühen Vormittag, um den großen Reisegruppen zu entgehen.

Kulturprogramm:
Direkt nebenan befinden sich die strahlend weiße Basilika Nuestra Señora del Pilar sowie das Kulturzentrum Recoleta – somit die perfekte Kulisse für einen kombinierten Kulturnachmittag.

Kunst und Handwerk:
Zudem ist das Museo Nacional de Bellas Artes nur einen kurzen Spaziergang entfernt. Dort können Sie Meisterwerke internationaler und lokaler Künstler bewundern, während Sie im Anschluss im angrenzenden Park Plaza Francia das bunte Treiben der Kunsthandwerkermärkte genießen.

Kulinarik:
Falls Sie nach dem Sightseeing hungrig sind, lädt La Recoleta zu kulinarischen Entdeckungen ein. Hier finden Sie sowohl traditionelle Parrillas (Steakhäuser) als auch moderne Cafés, die den Pariser Charme des Viertels perfekt widerspiegeln. Besonders am späten Nachmittag, wenn das goldene Licht auf die Paläste fällt, entfaltet die Gegend ihre ganz eigene Magie.

Anreise und Informationen

Junín 1760, C1113 Cdad. Autónoma de Buenos Aires, Argentinien.

Der Friedhof La Recoleta liegt im gleichnamigen Stadtteil der Hauptstadt. Am besten erreichen Sie den Friedhof mit der Subte, der U-Bahn. Mit den Linien D oder H kommen Sie in die Nähe. Auch Busse bringen Sie zum beliebten Tourismus-Hotspot. Alternativ gehen natürlich auch Taxi oder Uber.

Der Friedhof ist allgemein täglich von 07:00 bis 17:00 Uhr (in der Saison auch bis 18:00 Uhr) geöffnet.

Der Eintritt ist kostenpflichtig. Vor Ort werden spannende Führungen angeboten, die tiefere Einblicke in die Historie geben.

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Ansel Adams – Meister des Lichts – Teil 2

Bob — Sun, 18 Jan 2026 07:39:55 +0000

Damals prägte der Piktorialismus die Fotografie. Ein Stil, bei dem Bilder nicht einfach nur fotografisch festgehalten, sondern als Ausdruck für eine Stimmung oder ein Gefühl wie eine Art Gemälde geschaffen wurden. Die Erschaffer vertraten die Ansicht, dass ein Foto mehr als die reine Abbildung der Realität sein solle. Ein typischer Vertreter dieser Stilrichtung war zum Beispiel Alfred Stieglitz:

Nehmen wir uns einen Moment, dieses Werk zu betrachten, um zu verstehen, was die Fotografen damals bewegte und warum es als Meilenstein der Fotografiegeschichte gilt.

Stieglitz fotografierte die qualmende Lokomotive 1902 in den Bahnanlagen von Long Island City, New York.

Sein Ziel war es zu beweisen, dass ein Fotograf Kunstwerke ähnlich einem Maler schaffen konnte und nicht nur dokumentarisch tätig war. Er wollte etwas Alltägliches in etwas Außergewöhnliches umwandeln und dabei gleichzeitig den Betrachter fesseln. Sein Sujet – die kalte industrielle Bahnanlage – wählte er daher ganz bewusst.

Durch das gezielte Einfangen einer bestimmten Lichtstimmung und die nachträgliche Beeinflussung von Licht und Schatten während des Entwicklungsprozesses, ging er weit über die dokumentarische Fotografie hinaus.

Auch die ersten Arbeiten von Ansel Adams waren vom Piktorialismus beeinflusst. Ein Beispiel dafür ist das Bild ‚Lodgepole Pines‘, das 1921 am Merced River im Yosemite National Park entstand.

Doch mit dem Beginn des Ersten Weltkriegs setzte ein tiefgreifender Wandel ein: Die Fotografie bewegte sich weg von stilisierten Szenen hin zu einer messerscharfen Abbildung der Realität – als Ausdruck der Moderne und der fortschreitenden Industrialisierung.

Infolgedessen wandelte sich auch Adams’ Stil. Spätestens ab 1925 wich der Piktorialismus in seinem Schaffen einem konsequenten Realismus, der durch exakte Belichtung, harten Kontrast und einen extrem scharfen Fokus bestach. Er experimentierte viel in der Dunkelkammer, um die Details in seinen Bildern noch stärker herauszuarbeiten.

1930 lernte er den Fotografen Paul Strand kennen. Strand gilt heute als einer der Schöpfer der modernen amerikanischen Fotografie. Adams war vom zwölf Jahre älteren Paul Strand und seinen klar konzeptionierten Arbeiten tief beeindruckt. Strand konzentrierte sich damals hauptsächlich auf Abstraktionen, Straßenporträts und dem Einfangen der Dynamik der Städte.

Die Gruppe f/64

Die Gruppe f /64 (ursprünglich wurde f.64) wurde 1932 von Ansel Adams, Willard van Dyke, John Paul Edwards, Henry Swift, Imogen Cunningham und Sonya Noskowiak gegründet. Ihr Ziel war die Etablierung der „reinen Fotografie“. Im Gründungsmanifest von 1932 steht dazu:

„Reine Fotografie ist definiert als das Fehlen technischer, kompositorischer oder ideeller Qualitäten, die von einer anderen Kunstform abgeleitet sind„

Durch die Verwendung großformatiger Kameras sollten möglichst detaillierte, scharfe, körnungsfreie, Fotos mit hohem Kontrast entstehen, als Gegenbewegung zum damals an der Westküste etablierten.

Der Name der Gruppe leitet sich von einer sehr geringen Blendenöffnung des Kameraobjektivs ab, die eine große Schärfentiefe bei entsprechend großformatigen Kameras und Objektiven ergibt. Dazu zählen die von Ansel Adams verwendeten Großformatkameras mit einem Plattenformat von 8×10 Zoll (20,32 x 25,4 cm). Für die heute üblichen „Vollformat“-Sensoren mit 36 mm x 24 mm

Es handelte sich um eine Gegenbewegung zu dem seinerzeit vorherrschenden Stil des Piktorialismus. Von Mitgliedern der Gruppe wurde unter anderem das Zonensystem entwickelt.

Die Gruppe wandte sich mit „strengen“ eigenen Bildern gegen den „seichten Salonstil“ (Ansel Adams, Die Kamera, München 2000) und vertrat eine der straight photography ‚Reinen Fotografie‘ nahestehende Ästhetik. Mit der umfassenden Scharfzeichnung ihrer Motive löste sie sie aus der „Wirklichkeit“. Dabei nutzte die Gruppe f/64 auch den Kontaktabzug großformatiger Negative (8 Zoll (ca. 20 cm) × 10 Zoll (ca. 25 cm)) auf kontrastreichem, „hartem“ Hochglanzpapier. Skepsis bestand gegenüber der Retusche und anderen Manipulationen.

Born Free and Equal

„Der Zweck meiner Arbeit bestand darin, zu zeigen, wie diese Menschen, die unter großer Ungerechtigkeit und dem Verlust von Eigentum, Unternehmen und Berufen litten, das Gefühl der Niederlage überwunden hatten verzweifeln, indem sie sich eine lebendige Gemeinschaft in einer trockenen (aber großartigen) Umgebung aufbauen …“

https://www.loc.gov/resource/gdclccn.45002975/?st=gallery

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Ansel Adams – Meister des Lichts – Teil 1

Bob — Sat, 17 Jan 2026 07:46:00 +0000

Ansel Adams - Meister des Lichts

Bevor wir uns mit der Karriere und der Bedeutung von Ansel Adams für die Fotografie beschäftigen, ist es aus meiner Sicht hilfreich, in die Zeit einzutauchen, in die er hineingeboren wurde, und ein wenig mehr über seine Wurzeln in Erfahrung zu bringen. Ich habe die Quellen unten aufgeführt, für Hinweise bin ich dankbar.

Ansel Easton Adams wird am 20. Februar 1902 in San Francisco geboren. Theodore Roosevelt ist seit einem halben Jahr Präsident. Er setzt sich für die Rechte der Arbeiter und den Schutz der Umwelt ein, außenpolitisch wird die USA zur Weltpolizei. In Kalifornien wütet die Beulenpest.

Die Familie Adams

Ansel wächst als einziges Kind einer aus Nordirland stammenden Händlerfamilie auf. Sein Vater Charles ist Chemiker und Holzhändler, mit einem ausgeprägten Interesse an Astronomie und der noch relativ jungen Fotografie. Mutter Olivia Adams, geborene Bray, liebt die Porzellanmalerei und ist die künstlerische Seele der Familie.

Eine typische Einwanderergeschichte

Im 18. Jahrhundert kamen die Vorfahren der Adams wie Millionen weitere aus Nordirland nach Amerika. Auf der Suche nach einem neuen Anfang und einem Ausweg aus der schwierigen Situation in ihrer Heimat.

Großvater William James Adams gründete das florierende Holzhandelsunternehmen Adams & Blinn in San Francisco. 1856 heiratete er die Witwe Cassandra Hills McIntyre. Sie bekamen fünf Kinder, das letzte davon war Charles Hitchcock Adams, Ansel’s Vater.

Ansel Adams’ Großvater mütterlicherseits, war Charles E. Bray, ein Transportunternehmer. Seine Familie stammte aus Baltimore. 1861 heiratete er Nan Hiler. Ein Jahr später wurde Olive Hiller geboren, die spätere Mutter von Ansel.

Amerika befand sich im Umbruch: einerseits die wachsende Rolle in der Weltpolitik, andererseits die schnelle Industrialisierung und die damit einhergehenden Veränderungen. Die anhaltende Masseneinwanderung sorgte für weitere Spannungen.

Fotografie wird erschwinglich

Die Fotografie jener Zeit veränderte sich rasant. 1888 hatte George Eastman die Kodak-Kamera eingeführt — die erste, die mit Rollfilm arbeitete. Hundert Aufnahmen mit einem einzigen Film. Kamera und Film wurden gemeinsam eingeschickt, zehn Tage später kamen Papierabzüge und ein neuer Film zurück. Preis: 25 Dollar, dazu 10 Dollar für Entwicklung und Service. Die aufwendige Dunkelkammertechnik entfiel — Fotografie wurde für die Masse zugänglich.

Das Erdbeben von 1906: Eine markante Nase:

Eine der bekanntesten Anekdoten aus Adams' Kindheit ist untrennbar mit San Francisco verbunden. Als das große Erdbeben von 1906 die Stadt erschütterte, war Ansel gerade vier Jahre alt.

Eine Nachbeben-Erschütterung schleuderte ihn mit dem Gesicht gegen eine Gartenmauer. Seine Nase zertrümmerte so stark, dass sie zeitlebens markant nach links gebogen blieb – eine Korrektur lehnte Adams später konsequent ab. Man könnte sagen: Sein schiefer Blick auf die Welt begann mit diesem physischen Knall.

Der „Klassenclown“ ohne Klassenzimmer

Adams war kein einfacher Schüler. Er galt als hyperaktiv – nach heutiger Einschätzung wohl ADHS – und war in der Schule chronisch unterfordert. Nach mehreren Verweisen zog sein Vater 1915 die Reißleine und nahm ihn ganz von der Schule.

Fortan wurde Ansel privat unterrichtet. Sein wichtigster Lehrer aber war die Küste von San Francisco. Er verbrachte Stunden damit, die Dünen am Golden Gate zu erkunden – einsame Streifzüge, die den Grundstein für seine tiefe Verbindung zur Natur legten, lange bevor er je eine Kamera in der Hand hielt.

Die erste Kamera: Ein Unfall als Omen

1916 reist die Familie erstmals in den Yosemite-Nationalpark. Ansels Vater schenkt ihm eine Kodak Brownie Box — eine einfache, günstige Rollfilmkamera, die Millionen für die Fotografie begeistern sollte. Ansel rannte wie besessen durch das Tal.

Eine Geschichte rankt sich um eines seiner ersten Bilder: Für eine bessere Perspektive kletterte er auf einen morschen Baumstumpf. Im Moment des Auslösens brach der Stumpf zusammen. Ansel stürzte — löste aber instinktiv aus. Das Ergebnis: ein völlig schiefes, verwackeltes Bild. Ein amüsanter Kontrast zur mathematischen Präzision, für die er später berühmt werden sollte.

Die Zerreißprobe: Klavier oder Dunkelkammer?

Fotografie war für Adams jahrelang nur ein Hobby. Sein eigentlicher Plan war es, Konzertpianist zu werden. Die Disziplin, die er beim täglichen, stundenlangen Klavierspiel lernte, übertrug er später eins zu eins auf die Dunkelkammer.

Er sah zwischen Musik und Fotografie eine direkte Parallele, die er später in seinem berühmten Zitat zusammenfasste:

„Das Negativ ist die Partitur, der Abzug ist die Aufführung.“

Erst 1930, nach einer Begegnung mit dem Fotografen Paul Strand, traf er die endgültige Entscheidung gegen die Musik. Strand zeigte ihm seine Negative, und Adams war so schockiert von deren Detailreichtum und Klarheit, dass er begriff: Die Fotografie kann eine ebenso hohe Kunstform sein wie die Musik.

Das Zonensystem: Die „Partitur“ der Natur

Adams war frustriert darüber, dass seine Fotos oft nicht das wiedergaben, was er fühlte. Er wollte die volle Kontrolle darüber haben, wie hell oder dunkel jeder Bereich eines Bildes wird. Gemeinsam mit Fred Archer entwickelte er das Zonensystem.

Stell dir eine Skala von 0 bis 10 vor:

Zone 0: Tiefstes Schwarz (keine Zeichnung).

Zone V (5): Mittleres Grau (wie eine 18%-Graukarte).

Zone X (10): Reines Weiß (wie die Sonne oder eine Lichtquelle).

Adams’ Genialität bestand darin, das Bild schon vor dem Auslösen im Kopf zu „visualisieren“. Er maß das Licht an verschiedenen Stellen im Motiv und entschied dann, wie lange er belichten und – noch wichtiger – wie lange er den Film später entwickeln musste, um den Kontrast perfekt zu steuern. Er „komponierte“ das Licht wie ein Musikstück.

Moonrise Hernandez – Ein Wettlauf gegen die Zeit

Die Entstehung seines berühmtesten Bildes (1941) liest sich wie ein Krimi. Adams fuhr mit seinem Sohn und einem Assistenten durch New Mexico, als er im Augenblick der Dämmerung sah, wie der Mond über einer kleinen Kirche und einem Friedhof in Hernandez aufging.

Adams hielt den Wagen am Straßenrand an und schrie seinen Begleitern zu, sie sollten ihm sofort die Kamera und das Stativ bringen.

In der Hektik konnte er seinen Belichtungsmesser nicht finden. Die Sonne sank rapide, und er wusste, er hatte nur Sekunden, bevor das Licht auf den weißen Kreuzen des Friedhofs verschwinden würde.

Adams erinnerte sich an die Leuchtdichte des Mondes – exakt 250 Foot-lamberts. Dank seines mathematischen Geistes berechnete er die Belichtung im Kopf, ohne zu messen.

Kaum hatte er den Verschluss ausgelöst, verschwand die Sonne hinter einer Wolkenbank. Er hatte nur ein einziges Negativ machen können. Später verbrachte er Wochen in der Dunkelkammer, um den Himmel so tiefschwarz zu „belichten“, dass der Mond und die Wolken förmlich aus dem Bild leuchten – ein Paradebeispiel für seine Meisterschaft in der Nachbearbeitung.

Die „F/64“-Gruppe: Rebellion der Schärfe

In einer Zeit, in der viele Fotografen versuchten, Fotos wie verwaschene Gemälde aussehen zu lassen (Piktorialismus), gründete Adams mit Gleichgesinnten wie Edward Weston die Group f/64.

Der Name bezog sich auf die kleinste Blendenöffnung der Kamera, die eine maximale Schärfentiefe vom Vordergrund bis zum Horizont ermöglichte. Sie forderten „Pure Photography“:

Keine Filter-Trickserei, die das Bild unscharf macht.

Keine Manipulation, die die Fotografie wie eine Zeichnung wirken lässt.

Die Realität sollte in ihrer gnadenlosen Klarheit gezeigt werden.

Fortsetzung

Den zweiten Teil der Ansel Adams Biografie finden Sie hier

Quellen:

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Die Suche nach den Fenstern von St. Wigberti in Bilzingsleben

Bob — Tue, 13 Jan 2026 07:26:56 +0000

Ein Osterwunder:
Das erste Kirchenfenster der St‑Wigberti‑Kirche in Bilzingsleben kehrt zurück

26 Jahre musste die wundervolle kleine evangelische Kirche St. Wigberti in Bilzingsleben ohne ihre Chorfenster auskommen. Nun ist das erste von drei Fenstern zurückgekehrt.

Als wir vor einem Jahr zu Ostern die Nachricht erhielten, dass die Fenster in einer Lagerhalle in der Nähe von Wittenberg wieder aufgetaucht waren, konnten wir es kaum glauben. Nach einer unglaublich aufwendigen Suche war die Sensation perfekt.

Doch die Fenster waren in einem eher traurigen Zustand. Viele Brüche, das Blei verbogen, an vielen Stellen fehlten Scheiben ganz. Doch wie an vielen Stellen dieser wunderbaren Geschichte, haben sich Menschen dafür starkgemacht, dass es nicht bei der Auffindung blieb. Von der Kirchenbaureferentin, über die Entscheider über die Fördermittelzusage bei der Evangelischen Kirche bis hin zu den Restauratoren in Quedlinburg.

Und so kam es, dass am Montag vor Ostern die Monteure der Firma Schneemelcher – Derix Glasstudios aus Quedlinburg tatsächlich die ersten Scheiben in den Chorraum einsetzten.

Bleiglaser Steffen Schrader hat über zwei Jahrzehnte Berufserfahrung und schon an hunderten Kirchenfenstern gearbeitet. Viele davon deutlich älter als die Bilzingslebener Kirchenfenster, die auf etwa 140 Jahre geschätzt werden. Und doch ist dieser Auftrag für ihn etwas Besonderes. Schon bei der Auffindung in der Lagerhalle bei Wittenberg habe ich den sympathischen Sachsen-Anhalter kennengelernt. Die Geschichte der verschwundenen Fenster faszinierte ihn genauso wie mich und viele andere.

Nun steht er auf dem Gerüst, das eine lokale Baufirma gesponsert hat, und baut die erste Scheibe ein. Die Scheiben scheinen auf diesen Moment nur gewartet zu haben. Die Farben strahlen, als wären sie gestern erst auf das Glas gekommen. Man sieht Schrader an, dass er Freude an dem Auftrag hat:

Das ist schon etwas sehr Besonderes – auch für mich. Diese Geschichte von der Auffindung bis jetzt zum Einsetzen begleiten zu können – das war schon sensationell. Und dass auch die Stückzahl, dass das alles noch so da war – faszinierend!

Nun strahlt wieder Licht in den Chorraum – dort, wo jahrzehntelang große Sperrholzplatten für Dunkelheit sorgten. Eine Scheibe nach der anderen kommt in die Langfenster, wird mit Edelstahl im Gemäuer versteift und gut verkittet, um den Witterungseinflüssen zu widerstehen.

Den wichtigsten Moment hat er sich ganz für den Schluss aufgehoben: das runde Apostelfenster mit dem Jesu-Abbild. Es ist wohl das außergewöhnlichste und schönste der drei Kirchenfenster von St. Wigberti und unterscheidet sich in seiner kunstvollen Ausführung deutlich von den anderen Apostelfenstern.

Jetzt steht es auf dem Gerüst, bereit zum Einbau. Von unten blicken die Mitglieder des Kirchenkreises gespannt nach oben. In ihrer Mitte Irmtraudt Thiele.

Als Steffen Schrader das Fenster in die Öffnung hebt, strahlt die Sonne von außen durch die Scheibe. Der ganze Chorraum füllt sich mit bunten Farben.

Dieser Moment bewegt Irmtraudt Thiehle so sehr, dass ihr fast die Stimme versagt.

Mir wackeln die Beine und das Herz schlägt mir bis zum Hals! Dass Jesus jetzt wieder unsere Kirche und das Dorf beschützt. Und das zu Ostern … Es ist einfach wunderschön!

Irmtraudt Thiele

Und auch Bäckermeister Mario Fischer, der die Kirche schon von klein auf kennt, ist begeistert

Das Osterwunder ist zum schönsten Wunder geworden. Das ist ein schöner Anblick – auch wenn jetzt das Gerüst noch steht –, aber man sieht schon, wie es dann mal sein wird.

Und Kirchenrat Hans-Jürgen Siegl sieht vor seinem inneren Auge schon viele künftige Nutzungen der Kirche – nicht nur für kirchliche Zwecke. Auch Ausstellungen und Jugendbegegnungen sollen die Kirche lebendig machen.

Dafür braucht es noch ein paar Anstrengungen. Nicht nur die beiden anderen Chorfenster müssen noch restauriert und eingesetzt werden. Auch im Kirchenschiff ist noch vieles zu tun. Dafür braucht es Spenden und viele engagierte Helfer.

Doch wenn alle so mit anpacken und sich einbringen wie bislang, dann wird auch das gelingen.

Das Osterwunder zu Bilzingsleben ist eben auch ein Beispiel dafür, wie wichtig Zusammenhalt und ehrenamtliches Engagement gerade heute ist.

Für eine Kirche, für einen Ort, für unsere Gesellschaft.

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Yoga Outdoor-Fotografie

Bob — Fri, 05 Sep 2025 12:29:00 +0000

Outdoor-Yoga - im Einklang der Natur

Yoga unter freiem Himmel ist weit mehr als nur eine sportliche Betätigung – es ist eine einfache, aber ungemein kraftvolle Methode, um Körper, Geist und Seele nachhaltig zu stärken.

Warum Outdoor-Yoga so effektiv ist:

Einer der größten Vorteile liegt in der unmittelbaren Verbindung zur Umwelt. Indem wir das weiche Gras unter unseren Füßen spüren und die frische Luft tief einatmen, erleben wir hautnah, wie die natürliche Umgebung uns zu tiefer Ruhe und Gelassenheit führt. Infolgedessen fällt es uns deutlich leichter, den Alltagsstress hinter uns zu lassen und eine spürbar tiefere innere Balance zu finden.

Tradition trifft Moderne:

Dieses Wissen ist keineswegs neu, denn schon die Urväter des Yoga praktizierten bevorzugt in der freien Natur, um die Lebensenergie (Prana) direkt aus der Umgebung aufzunehmen. Aufgrund dieser positiven Synergieeffekte integrieren heutzutage immer mehr Yogalehrer und professionelle Yogastudios spezielle Outdoor-Yoga-Kurse in ihr Programm. Ob im Stadtpark, am Strand oder im Wald – die Praxis im Freien bietet die perfekte Ergänzung zum klassischen Training im Studio.

Und genau das sollten auch die Fotos vermitteln, mit denen Du für Outdoor-Yoga wirbst. Doch oft sind es Schnappschüsse, die eher nach einer unmotivierten Sportveranstaltung aussehen. Denn sie sind meist nebenbei mit dem Handy entstanden, weil gerade einen Moment Luft war. Leider sieht man genau das den Bildern oft an.

Was soll ein Yoga-Outdoor Shooting vermitteln?

Um Kunden auch visuell anzusprechen, solltest Du zunächst einmal – auch für Dich – formulieren, was Du bietest. Am einfachsten in Form eines kleinen Textes. Zum Beispiel so:

Die beste Zeit für Ihr Outdoor Fotoshooting: Das richtige Licht

Yoga-Fotografie profitiert enorm vom richtigen Licht! Im Studio kann man leicht mit künstlichen Lichtquellen nachhelfen. Im Freien wird das aufgrund fehlender Stromversorgung schon komplizierter. Dafür ist eine gute Planung wichtig: Für Yoga-Shootings eignen sich besonders der frühe Morgen oder der späte Nachmittag, wenn das Licht einen natürlichen Schein um die Motive liefert.

Sie möchten auch diese magische Atmosphäre Ihrer Outdoor-Praxis einfangen? Weil authentische Bilder Ihre Reichweite und Ihre Kursteilnehmerzahlen steigern, helfe ich Ihnen gerne, das perfekte Licht und die perfekte Location zu finden. Sprechen Sie mich einfach an!

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Yogafotografie in Erfurt: Mehr als nur Bilder

Bob — Thu, 14 Aug 2025 13:06:00 +0000

Yogafotografie ist weit mehr als das bloße Festhalten von Posen. Vielmehr geht es darum, die Essenz des Yoga – die tiefe Verbindung von Körper, Geist und Seele – authentisch zu erfassen. Als Fotograf in Erfurt verstehe ich die besondere Bedeutung dieser Momente genau. Deshalb ist es mein erklärtes Ziel, in meinen Aufnahmen die Ruhe, die Kraft sowie die Eleganz jeder Asana einzufangen.

Ganz gleich, ob Sie als Yogalehrerin oder Yogalehrer professionelle Bilder für Ihre Website oder Social-Media-Kanäle benötigen, oder ob Sie ein Studio betreiben, das ausdrucksstarkes Bildmaterial sucht: In mir finden Sie einen Partner, der Ihre Vision teilt. Dabei bin ich mir stets bewusst, wie wichtig es ist, die individuelle Praxis und die Persönlichkeit jedes Einzelnen hervorzuheben. Nicht ohne Grund zähle ich daher zu den Spezialisten für Personal Branding im Yoga-Bereich.

Warum professionelle Yogafotografie so wichtig ist

In der heutigen digitalen Welt sind hochwertige visuelle Inhalte entscheidend, um sich erfolgreich von der Masse abzuheben. Denn professionelle Bilder ziehen nicht nur die unmittelbare Aufmerksamkeit auf sich, sondern sie schaffen gleichzeitig tiefes Vertrauen und transportieren darüber hinaus die Professionalität Ihrer gesamten Arbeit.

Authentizität: Ich arbeite mit natürlichem Licht und in harmonischer Umgebung, um Fotos zu schaffen, die echt und ungekünstelt wirken.
Ausdrucksstärke: Jedes Bild erzählt eine Geschichte. Ich fange die Emotionen und die Hingabe ein, die hinter jeder Bewegung stecken.
Vielseitigkeit: Die entstandenen Fotos können Sie für Ihre Website, Broschüren, Werbematerialien oder für Ihre Social-Media-Kanäle nutzen, um Ihre Marke zu stärken und Ihre Reichweite zu erhöhen.

So läuft eine Session ab

Zunächst planen wir gemeinsam Ihr individuelles Shooting, wobei wir detailliert Ihre Ziele besprechen und die passenden Orte auswählen. Dies kann entweder in Ihrem Yogastudio, in der freien Natur rund um Erfurt oder aber an einem Ort Ihrer ganz persönlichen Wahl geschehen. Zudem finden wir die idealen Tageszeiten, um das natürliche Licht optimal für Ihre Aufnahmen zu nutzen.

Während des eigentlichen Shootings sorge ich darüber hinaus für eine entspannte sowie konzentrierte Atmosphäre, sodass Sie sich voll und ganz auf Ihre Praxis einlassen können. Als Ergebnis erhalten Sie am Ende eine Galerie voller einzigartiger Bilder, die sowohl die äußere Schönheit als auch die tiefe Philosophie des Yoga widerspiegeln.

Bereit für beeindruckende Fotos?

Möchten Sie Ihre Yogapraxis oder Ihr Studio ins rechte Licht rücken? Besuchen Sie meine Seite für Yogafotografie unter https://44one.de/yoga-photography/ und lassen Sie uns darüber sprechen, wie ich Ihre Vision fotografisch umsetzen kann. Ich freue mich darauf, mit Ihnen zusammenzuarbeiten und unvergessliche Momente festzuhalten.

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Motorsegler aus Frankreich zu Gast in Alkersleben

Bob — Mon, 14 Jul 2025 17:40:00 +0000

Auf dem Flugplatz Alkersleben im Ilm-Kreis in Thüringen landete eine internationale Flotte von ganz besonderen Maschinen, die die Herzen von vielen Flugzeug-Enthusiasten höherschlagen lassen.
Sie sind elegant, sparsam und echte Legenden der Lüfte: Historische Motorsegler und Motorflugzeuge des französischen Konstrukteurs René Fournier haben gestern einen Zwischenstopp in Thüringen eingelegt.
Die Piloten des Clubs aus Frankreich sind auf großer Deutschlandtour.

So etwas sieht man auch in Alkersleben (Ilmkreis) nicht alle Tage: Eine Fournier RF-5 landet elegant auf dem Rollfeld des kleinen Thüringer Flughafens. Aber es war nicht nur eine – gleich zehn dieser seltenen Motorsegler des 'Club Fournier International' machten im Rahmen ihrer Deutschlandtour hier Station.

Leidenschaft Fliegen

Gestartet waren sie in Coburg, mit eher trüben Wetteraussichten. Aber das macht einem echten Fournier-Piloten wie Björn Simmes nicht wirklich was aus. Der Familienvater aus Baden ist seit 50 Jahren der Luftfahrt, dem Fliegen und natürlich seiner Fournier verfallen.

Björn Simmes – ’Club Fournier International’

Mein Leben hat sich eigentlich immer zwischen Himmel und Boden abgespielt. Das Schöne ist natürlich, dass es sehr alte Maschinen sind, dass man die Werte erhält, die mal geschaffen wurden, und vom Fliegerischen her sind das ganz besondere Maschinen. Die Eigenschaften, die diese Maschinen haben, sind für die heutigen Flugzeuge einfach toll, die Abstimmung der Ruder ist unwahrscheinlich schön und durch den Motorsegler kann man auch den Motor zwischendrin mal ausschalten und thermisch weiterfliegen. Man hat eigentlich ein sehr, wunderschönes und sparsames Reisemobil bei sich.

Poesie aus Holz und Kunststoff, entworfen vom Franzosen René Fournier. Über 50 Jahre lang wurden seine Konstruktionen gebaut. Was sie bis heute so beliebt macht: ihre unglaubliche Robustheit und ein erstaunlich niedriger Verbrauch. Mit nur wenigen Litern pro Stunde sind sie sparsamer als manche Autos.

Einmal um die Welt mit einer Fournier

Wie robust sie sind, bewies ein Pilot im Jahr 2001: Mit einer Fournier RF-10 gelang ihm eine Weltumrundung. Eine Legende, genau wie ihr Schöpfer. René Fournier feierte im April seinen 104. Geburtstag in seiner Heimat Frankreich.

Björn Simmes – ‚Club Fournier International‘

Ja, unser ursprüngliches Ziel war, dass wir miteinander das Erhalten dieser Maschinen gewährleisten können. Dass wir uns austauschen. Und in der neueren Zeit ist unser Hauptaugenmerk darauf, dass wir neue, junge Piloten für diesen Sport, für dieses Wandern mit den Motorseglern begeistern können. Das auch, wenn jetzt die Älteren so langsam aus der Riege aussteigen, den Generationenwechsel schaffen, dass die Flugzeuge erhalten bleiben und das Erbe von Rene Fournier in neue Hände übergeben wird.

Herzliches Willkommen in Alkersleben

Für die Mitglieder des Clubs gab es in Alkersleben nicht nur ein Willkommenskomitee. Auch Kaffee und Kuchen stand bereit. Und obwohl nicht jeder hier über Französisch-Kenntnisse verfügt, versteht man sich auf Anhieb. Philipp Dufay aus Strasbourg ist sichtlich bewegt davon

Philipp Dufay aus Strasbourg

Die Atmosphäre ist hervorragend. Ich habe bisher noch nicht alles entdeckt, aber die Umgebung – das ist: in Französisch sagen wir „Invitation“. Denn wir fliegen über die Berge mit Wolken und finden ein kleines Loch und wir fliegen durch und dann plötzlich die Sonne und Arnstadt. Das ist eine große Freude für uns. Und dann nach der Landung, finden wir Leute, die sehr froh sind und sehr ein großes Willkommen, das ist perfekt.

Am Sonntag starten die Piloten in Richtung Hessen, dem zweiten Stopp ihrer 2200 Kilometer langen Tour durch Deutschland. Am Mittwoch endet die sechstägige Reise dann wieder im französischen Colmar. Ganz sicher wieder mit vielen Eindrücken und neuen Freundschaften.

Artikel in den Medien dazu

Artikel in der Südthüringer Allgemeine

Artikel in der Thüringer Allgemeine

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Scars – Narben – Modele für Kunstprojekt gesucht

Bob — Fri, 11 Jul 2025 05:52:34 +0000

Unsere Narben, unsere Geschichten – Ein Kunstprojekt über die Spuren des Lebens

Für ein feinfühliges Kunst- und Fotoprojekt laden wir Frauen ein, die Geschichten zu teilen, die ihre Körper erzählen. Wir glauben, dass Narben – ob durch Operationen, Unfälle, Krankheiten oder andere Wendepunkte entstanden – weit mehr sind als nur Hautveränderungen. Sie sind stille Zeugen von Überlebtem, Zeichen von unglaublicher Stärke, von Momenten der Verletzlichkeit und der tiefen Kraft der Heilung. Jede Narbe trägt eine einzigartige Geschichte in sich, der wir mit Respekt und künstlerischem Blick begegnen möchten.

Wer wir sind:

Wir, das sind Negar Kablou und Robert Müller. Uns verbindet die Suche nach den tiefen, menschlichen Geschichten, die unter der Oberfläche liegen.

Negar Kablou ist eine international erfahrene Textilkünstlerin und Masterstudentin für „Public Art“ an der Bauhaus-Universität Weimar. In ihrer Kunst übersetzt sie komplexe Themen in visuelle Poesie und schafft Werke, die zum Nachdenken anregen und tief berühren. Ihre langjährige Erfahrung, unter anderem am nationalen Teppichmuseum des Iran, hat ihren Blick für die in Material und Form eingeschriebenen Erzählungen geschärft.

Robert Müller, seit über 20 Jahren Journalist und Fotograf, sucht in seinen Porträts den echten, ungeschminkten Zugang zum Menschen. Seine Fotografie ist ein Dialog, der darauf abzielt, nicht nur ein Bild zu schaffen, sondern auch einen Raum, in dem sich die porträtierte Person gesehen und bestärkt fühlen kann. Sein Ziel ist es, durch eine würdevolle Darstellung die innere Stärke und das Selbstvertrauen sichtbar zu machen, die in jedem von uns stecken.

Mit diesem gemeinsamen Projekt möchten wir nun einen geschützten Raum erschaffen, um die seelische Verbindung zum eigenen Körper und seinen Narben gemeinsam zu erkunden. Dabei ist es uns wichtig, die einzigartige Schönheit jedes Körpers fernab von idealisierten Stereotypen zu würdigen und somit authentischen Geschichten eine Bühne zu geben. Schließlich geht es uns darum, aufzuzeigen, dass Verletzlichkeit keineswegs eine Schwäche ist, sondern vielmehr als ein kraftvoller Ausdruck von Mut verstanden werden sollte.

Wir laden Sie herzlich ein, Teil dieses Projekts zu werden, wenn Sie das Gefühl haben, dass:

Ihre Geschichte und die Spuren auf Ihrem Körper einen würdevollen Ausdruck verdienen.
sich bereit fühlen, Ihre Geschichte (im geschützten Rahmen) zu teilen.
Sie sich auf dem Weg befinden, Ihren Körper mit all seinen Facetten anzunehmen, ihn als Teil Ihrer Identität zu sehen oder diesen Weg der Akzeptanz gerade beschreiten.
Sie sich ein Projekt wünschen, das auf tiefem Respekt, absolutem Vertrauen und künstlerischem Feingefühl aufgebaut ist.

Was Sie bei uns erwartet:

Ihr Wohlbefinden ist unser höchstes Gebot. Der gesamte Prozess ist darauf ausgerichtet, dass Sie sich sicher und respektiert fühlen.

Ein Gespräch auf Augenhöhe: Zuerst lernen wir uns in einem ausführlichen und völlig unverbindlichen Gespräch kennen. Hier haben Sie Raum für all Ihre Fragen und können in aller Ruhe entscheiden, ob dieser Weg sich für Sie richtig anfühlt.
Ein sicherer Ort: Das Fotoshooting findet in einer ruhigen, privaten und wertschätzenden Atmosphäre statt. Wir nehmen uns die Zeit, die es braucht.
Sie haben das Sagen: Sie bestimmen zu jeder Zeit die Grenzen. Nichts geschieht ohne Ihre ausdrückliche Zustimmung. Es geht niemals um eine Zurschaustellung, sondern um einen kraftvollen, künstlerischen Ausdruck, den wir gemeinsam finden.

Ziel der Aufnahmen

Neben einer Ausstellung wollen wir auf dieser Website einige Artikel erstellen, die anderen Frauen helfen sollen. Folgende Artikel sind geplant bzw. in Umsetzung:

Die Geschichten hinter den Narben: Interviews mit Teilnehmerinnen
Der künstlerische Prozess: Ein Blick hinter die Kulissen
Körperakzeptanz und die Schönheit der Unvollkommenheit
Heilung & Psyche: Narben als Landkarten des Lebens. Wie wir lernen können, die Geschichte hinter der Verletzung als Teil unserer Identität zu akzeptieren.

FAQ – Fragen und Antworten

Was kostet die Teilnahme am Kunstprojekt?

Robert Müller Erfurt

Kintsugi und Wabi-Sabi: Die goldene Kunst, unsere Brüche zu lieben

Wabi-Sabi: Die Schönheit des Vergänglichen

Kintsugi: Narben aus purem Gold

Vom Porzellan zur Haut: Unser Lebens-Kintsugi

Fotografie und Textilkunst: Kintsugi im Projekt „Scars“

Deine Geschichte ist Gold wert

Möchtest du diese Ästhetik selbst erfahren?

Die Ästhetik des Unvollkommenen

Die Ästhetik des Unvollkommenen

Warum wir Narben neu betrachten müssen

Der Körper als Chronik

Von der Scham zur Sichtbarkeit

Ein neues Verständnis von Schönheit: Wabi-Sabi & Kintsugi

Werde Teil von SCARS – NARBEN

Eine Frage zum Schluss:

La Recoleta

Der Friedhof La Recoleta: Buenos Aires’ prunkvolle Stadt der Toten

Ein Spaziergang durch die Geschichte des Cementerio de la Recoleta

Das Grabmal von Eva Perón – der „Dama Blanca“

Architektur des Friedhofs

Tipps für Ihren Besuch

Anreise und Informationen

Ansel Adams – Meister des Lichts – Teil 2

Die Gruppe f/64

Born Free and Equal

Ansel Adams – Meister des Lichts – Teil 1

Ansel Adams - Meister des Lichts

Die Familie Adams

Eine typische Einwanderergeschichte

Fotografie wird erschwinglich

Das Erdbeben von 1906: Eine markante Nase:

Der „Klassenclown“ ohne Klassenzimmer

Die erste Kamera: Ein Unfall als Omen

Die Zerreißprobe: Klavier oder Dunkelkammer?

Das Zonensystem: Die „Partitur“ der Natur

Moonrise Hernandez – Ein Wettlauf gegen die Zeit

Die „F/64“-Gruppe: Rebellion der Schärfe

Fortsetzung

Quellen:

Die Suche nach den Fenstern von St. Wigberti in Bilzingsleben

Ein Osterwunder: Das erste Kirchenfenster der St‑Wigberti‑Kirche in Bilzingsleben kehrt zurück

Yoga Outdoor-Fotografie

Outdoor-Yoga - im Einklang der Natur

Warum Outdoor-Yoga so effektiv ist:

Tradition trifft Moderne:

Was soll ein Yoga-Outdoor Shooting vermitteln?

Die beste Zeit für Ihr Outdoor Fotoshooting: Das richtige Licht

Yogafotografie in Erfurt: Mehr als nur Bilder

Warum professionelle Yogafotografie so wichtig ist

So läuft eine Session ab

Bereit für beeindruckende Fotos?

Motorsegler aus Frankreich zu Gast in Alkersleben

Leidenschaft Fliegen

Einmal um die Welt mit einer Fournier

Herzliches Willkommen in Alkersleben

Artikel in den Medien dazu

Scars – Narben – Modele für Kunstprojekt gesucht

Unsere Narben, unsere Geschichten – Ein Kunstprojekt über die Spuren des Lebens

Wer wir sind:

Was Sie bei uns erwartet:

Ziel der Aufnahmen

FAQ – Fragen und Antworten

Ein Osterwunder:
Das erste Kirchenfenster der St‑Wigberti‑Kirche in Bilzingsleben kehrt zurück